Kunst als Impuls für Wandel und Bewusstsein
Kunst, die Wandel sichtbar macht
Ich bin Rainer Langer, Klimakünstler. Meine Werke entstehen aus dem Erleben der Natur und dem Wunsch, Zeichen für Wandel und Bewusstsein zu setzen.
Diptychon – Tor in einen neuen Raum
Dieses Diptychon ist mein Übergang in einen neuen Raum
Ein Schwellenwerk zwischen dem, was war, und dem, was jetzt entsteht.
Die Farben verschieben sich, Linien werden zu Wegen, Muster zu Zeichen — als würden vergangene Kulturen, Runen, Symbole und alte Sprachen mir eine Einladung reichen.
Wenn ich vor diesem Werk stehe, spüre ich einen neuen Raum.
Einen Raum voller Echos aus lange vergessenen Welten, in denen Gleichgewicht nicht Theorie, sondern Lebensnotwendigkeit war.
Einen Raum, der mich an Kulturen erinnert, die Opfer brachten, um mit der Natur im Einklang zu bleiben.
An Völker, die Klimaveränderungen erlebten und dadurch aufbrachen — nicht aus Eroberungsdrang, sondern aus Notwendigkeit.
Heute verändert sich die Welt erneut.
Die Meere erwärmen sich, Lebensräume verschwinden.
Und doch handeln wir, als seien wir unverwundbar.
Wir zerren an den Fäden der Natur — und wundern uns über die Risse.
In diesem Diptychon beginnt meine Reise in eine neue künstlerische Dimension.
Ich gehe hindurch wie durch ein Tor.
Ich reise.
Ich höre.
Ich lerne.
Ich spreche.
Ich male.
Ich bleibe in diesem Raum so lange, bis sich eine neue Tür öffnet — und ich weiß:
Ich habe Zeit.
Ich werde nicht drängen.
Ich werde diesen Raum genießen, erkunden, bewohnen.
Ich werde weiterreisen — durch Gefühle, Geschichte, Farben, Zeichen.
Dieses Diptychon ist mein Kompass.
Es zeigt mir, dass Kunst kein Ziel ist, sondern ein Weg.
Ein Weg durch Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.
Ein Weg, der Klimafunken sendet — kleine, leuchtende Fragen an die Welt.
Funken, die sichtbar machen, was wir verlieren.
Funken, die erinnern, wer wir sein könnten.
Ist das Kunst?
Vielleicht.
Vielleicht auch ein Gebet.
Oder ein Gespräch zwischen Welten.
Oder einfach mein Versuch, die Zeichen der Zeit zu lesen.
"Meine Kunst entsteht oft draußen – in der Landschaft, im Übergang, im Moment. Doch nicht jeder kann mit mir auf Reisen gehen, nicht jeder steht auf dem Waldboden oder vor einem Gletscher. Die virtuelle Galerie ist mein Versuch, diese Orte und Zeichen zugänglich zu machen – unabhängig von Zeit und Raum.
Rainer Langer, 58 years
„Wenn Zeichen sprechen“
4.1.2026
Rapa Nui – 27°S, 109°W: Eine der isoliertesten Inseln der Erde, einst kulturelles Zentrum Polynesiens, heute Teil einer ozeanischen Müllspirale. Strömungen des Südpazifischen Wirbels treiben Plastik und Mikroplastik an ihre Küsten – Mengen, die deutlich höher sind als an Chiles Festland. Mikroplastik gelangt in die Nahrungskette und bedroht das Leben im Meer. Im Werk erscheinen Rongorongo-Zeichen – eine unentzifferte Schrift, die einst Wissen und Macht bewahrte. Ihr Name bedeutet „rezitieren, vortragen“. Heute sind diese Zeichen stumme Zeugen einer Kultur, die durch Klimaveränderungen und Ressourcenknappheit unterging. Die Spirale im Bild steht für Kreisläufe, die brechen. Die kleine Schildkröte unten rechts erinnert an Opfer unseres Konsums: Schon 14 Plastikteile im Magen bedeuten eine 50 % Sterbewahrscheinlichkeit. Mikroplastik verursacht Entzündungen, hormonelle Störungen, Geisternetze werden zur tödlichen Falle. Klimawandel und Plastik bedrohen Natur und Kultur zugleich. Wenn Zeichen verstummen, verlieren wir mehr als Geschichte – wir verlieren die Verbindung zur Natur. Es ist Zeit, mit der Natur zu leben, nicht nur von ihr. Jede Entscheidung gegen Wegwerfplastik, für geschlossene Kreisläufe und für das Meer ist ein Schritt aus der Spirale.
Ich sehe bunte Baumstämme, die sich wie Säulen durch die Komposition ziehen. Für mich sind sie mehr als Farben – sie sind Sinnbilder für Langlebigkeit und zugleich Verletzlichkeit. Heute tragen sie kräftige Töne, doch welche Farben werden sie morgen tragen? Das dunkle Blau im Hintergrund erinnert mich an den Moment, wenn sich der Tag verabschiedet – die Stille vor dem Unbekannten, die Frage nach dem nächsten Morgen. Nichts ist gewisser als Veränderung, und doch bleibt die Hoffnung, dass die Wurzeln stark genug sind, um den Wandel zu tragen. Die japanischen Schriftzeichen für Feuer und Wasser geben dem Bild Energie und Tiefe. Feuer steht für Leidenschaft, Kraft und Transformation, Wasser für Harmonie, Anpassung und Leben. Gegensätze, die unser Leben prägen und uns seit Generationen begleiten. Jeder Tag bringt neue Farben, neue Aufgaben, neue Chancen. Meine Motivation ist es, diese Dynamik sichtbar zu machen – die Balance zwischen Beständigkeit und Veränderung, zwischen Kraft und Verletzlichkeit. Mich fasziniert Japan – eine Insel, eine Industrienation und zugleich ein Land der Tradition. Besonders inspiriert mich die Philosophie des Ikigai: morgens mit einem Sinn für das eigene Leben aufzustehen. Wir sind wie Gärtner in einem Wald. Es macht Sinn, den Wald zu pflegen, denn er schenkt uns Kraft. Doch unsere Zivilisation hat diese Lebenskraft verloren. Viele haben den Wald verlassen und sich aufs Sofa gesetzt. Bequemlichkeit wird zur Krankheit der Seele. Mein Bild ist ein Appell, zurückzukehren – zu den Wurzeln, zur Pflege des Lebens, zu einem Sinn, der uns trägt. Denn wie die Baumstämme verändert sich auch unser Leben jeden Tag. Veränderung ist gewiss – darin liegt die Chance, unseren Wald neu zu gestalten.
Dieses Werk erzählt vom Wandel: Der Tatzenferner, einst mächtiger Gletscher, ist heute ein Resteisfeld. Pink, Gelb, Blau und Grün spiegeln die Spannung zwischen Wärme, Schmelze und Neubeginn. Zwei Runen durchziehen das Bild wie Botschaften aus einer fernen Zeit: Laguz (ᛚ) steht für Wasser, Bewegung und die Kraft der Transformation – für das Schmelzen des Eises und die Dynamik der Natur. Dagaz (ᛞ) verkörpert Licht, Übergang und Erneuerung – die Hoffnung, dass jeder Zyklus einen neuen Anfang bringt. Klimaveränderungen haben schon früher Geschichte geschrieben: Vor 1.500 Jahren führten Vulkanausbrüche und eine schwache Sonne zu Abkühlung, Ernten brachen ein, Hunger trieb Völker in Bewegung. Damals war es die Kälte, heute ist es die Hitze. Wandel ist unausweichlich – die Frage ist, ob wir ihn gestalten oder ihm ausgeliefert sind. Die ersten Klimaflüchtlinge verlassen ihre Heimat: Tuvalu versinkt im Meer, Australien nimmt Menschen auf. Dieses Abkommen erkennt Klimaflucht als Realität an und stellt die Frage: Wird dies der Beginn einer neuen Solidarität – oder nur ein Vorbote für die vielen Fluchten, die noch kommen? Mein Bild verbindet Vergangenheit und Zukunft – ein Raum für Fragen, Hoffnung und Verantwortung.
„COP30 – Der Ring der Hoffnung“
16.11.2025
Meine Motivation für dieses Werk war es, die Gegensätze unserer Zeit sichtbar zu machen: Hoffnung und Bedrohung, Zukunft und Vergangenheit, Handeln und Zögern. Ich wollte zeigen, wie eng alles miteinander verwoben ist – und wie sehr es in unseren Händen liegt, wohin die Reise geht.
Ich habe ein gefundenes Stofftier integriert, ein stiller Zeuge der Kindheit. Für mich steht es für die kommenden Generationen, die eines Tages beurteilen werden, was wir heute tun. Es erinnert mich daran, dass unsere Entscheidungen nicht abstrakt sind – sie betreffen das Leben von Kindern, die noch spielen, lachen und träumen.
Die verkrustete Schicht aus zähflüssigem Kohlestaub symbolisiert den Schatten der Kohle- und Öllobby, die nicht aufgeben will, weil Profit wichtiger ist als die Zukunft der Menschen. Diese todbringende Masse habe ich bewusst mit lebendigen Farben übermalt – ein Zeichen, dass Hoffnung und Handeln möglich sind.
Zwischen diesen Schichten liegt Sägestaub aus alten Windkraftblättern. Er liegt wie ein Nebel über dem Bild – ein Nebel, der die Zukunft verhüllt. Windkraft ist Teil unserer Hoffnung, doch auch sie wirft Fragen auf. Ich glaube daran, dass wir eines Tages aus alten Windkraftblättern neue bauen.
Und mitten in diesem Geflecht liegt ein pinker Kreis: ein Auge, ein Ring, ein mystisches Symbol der Kraft, das alles zusammenhält. Der Ring ist Ankerpunkt und Einstieg, Reflexion und Sammelpunkt – er fordert uns auf, hinzuschauen und zu handeln.
Mit diesem Werk lege ich nicht nur die Hand in die Wunde, sondern sende mit kräftigen Farben eine positive Botschaft – einen Klimafunken, der zum Nachdenken und Handeln auffordert. Wenn ich ein Kunstwerk schaffe, gewinne ich Energie und Kraft. Ich glaube daran, dass uns das gemeinsame Handeln als Weltgemeinschaft eine gewaltige positive Energie schenkt. Dieses Gemeinschaftsgefühl ist heute etwas ganz Besonderes. Es hält uns zusammen und stärkt uns. Darum ist das jährliche Treffen zur Klimakonferenz so wichtig.
Jedes Jahr kommen wir einen Schritt näher, einen Schritt vorwärts und einen Schritt enger zusammen. Auch wenn wir die gesteckten Ziele nicht erreichen. Es ist wie in einem Projekt: Die jährliche COP ist ein wichtiger Meilenstein. Wir fassen ein Ergebnis, richten das Segel neu aus, um durch stürmische Gewässer das Ziel zu erreichen. Und manchmal ist ein Umweg der beste Weg zum Ziel.
„Wenn Hoffnung Staub trägt“
2.11.2025
Mit Vollgas in den Abgrund? – Ein kritischer Blick auf 30 Jahre Klimakonferenzen
Seit drei Jahrzehnten treffen sich die Mächtigen dieser Welt auf den UN-Klimakonferenzen (COPs). Jahr für Jahr verhandeln sie über das, was längst entschieden sein müsste: den Schutz unseres Planeten. Ich beobachte diese Konferenzen nicht als Politiker, nicht als Wissenschaftler – sondern als Klimakünstler, als jemand, der mit Farben, Formen und Gefühlen arbeitet, um das Unsichtbare sichtbar zu machen.
Was ich sehe, ist ein Bild, das sich nicht fügen will. Ein Flickenteppich aus Versprechen, Kompromissen und verpassten Chancen. Und während die Gletscher schmelzen, die Wälder brennen und die Meere steigen, diskutieren wir weiter – als hätten wir alle Zeit der Welt.
Die wichtigsten Stationen – und was sie (nicht) bewirkten:
- 1995 – COP1 in Berlin: Der erste Schritt. Ein Mandat, mehr nicht. Die Leinwand war leer, die Farben noch unentschlossen.
- 1997 – Kyoto: Ein Vertrag, der nur die Industrieländer verpflichtete. Der Süden blieb außen vor. Die Welt malte mit halber Kraft.
- 2009 – Kopenhagen: Große Bühne, leere Hände. Das Bild blieb skizzenhaft. Die Farben verblassten im Nebel der Enttäuschung.
- 2015 – Paris: Hoffnung. Ein globales Versprechen, die Erderwärmung auf 1,5 °C zu begrenzen. Doch das Bild war freiwillig – und ohne Pinselstriche bleibt es eine Idee.
- 2021 – Glasgow: Der Kohleausstieg wurde erwähnt – aber nur als „phase down“. Halbherzig. Die Schatten wurden länger.
- 2022 – Ägypten: Ein Fonds für Verluste und Schäden. Ein spätes Eingeständnis, dass der Klimawandel längst Realität ist – für viele schon tödlich.
- 2023 – Dubai: Die erste Bilanz: Wir sind auf dem Weg zu über 2,5 °C. Die Farben der Zukunft? Lodernd, düster, ungewiss.
Und jetzt? COP30 in Belém, Brasilien.
Mitten im Amazonas. Dort, wo die Erde atmet – und wo sie am meisten bedroht ist. Die Konferenz verspricht viel: Schutz des Regenwalds, Klimagerechtigkeit, globale Zusammenarbeit. Doch ich frage mich: Wird wieder nur geredet, während die Welt brennt?
„Dieses Bild erzählt die Geschichte eines Jahres:
Vom stillen Winter, vom Erwachen im Frühling, vom matten Grün des heißen Sommers, vom Abschied im Herbst und vom Warten auf neues Leben.
Doch etwas ist anders. Die Blätter tragen Asche.
Sie sprechen von Feuer, von Zerstörung, von einer Welt, die sich verändert. Die Asche ist mehr als ein Material – sie ist ein Symbol für das, was wir riskieren: Wälder, Arten, Lebensräume.
In wenigen Tagen beginnt die COP30 im Amazonasgebiet. Dort wird über die Zukunft verhandelt – über die Frage, ob wir den Kreislauf der Natur bewahren oder unterbrechen. Als Klimakünstler sehe ich diese Konferenzen wie ein unfertiges Bild: viele Skizzen, viele Versprechen, aber die entscheidenden Pinselstriche fehlen.
Meine Vision ist klar: Kunst soll berühren, Fragen stellen, Hoffnung wecken. Dieses Werk ist ein Mahnmal für kommende Generationen. Es fragt uns:
Wollen wir weiter mit Vollgas in den Abgrund fahren – oder endlich die Richtung ändern?
Während der COP30 hänge ich zwei leere Leinwände an die Wand. Jeden Tag informiere ich mich über die Verhandlungen, die Entscheidungen, die Worte – und bringe sie in Farbe und Form auf die Leinwand. So entsteht ein künstlerisches Protokoll dieser Tage, ein Spiegel der Hoffnung und der Realität. Die Ergebnisse veröffentliche ich gerne – als Einladung zum Dialog über die Zukunft unserer Kinder und kommenden Generationen.
„Die Zukunft sieht blass aus“
26.10.2025
Ein Bild zwischen Mahnung und Hoffnung
Blasse Farben im Hintergrund. Blasse Kinderspielsachen. Ein Kreuz aus Holz, das wie ein stilles Mahnmal in der Mitte steht. Dieses Bild zeigt nicht die lebendige Hoffnung, sondern die fragile Realität unserer kommenden Generationen. Die Stofftiere – ein Elefant und ein Esel – wirken verloren in einer Welt, die ihre Farben verliert. Die Zukunft ist nicht rosig. Sie ist blass.
Doch inmitten dieser blassen Welt steht ein kleines Mädchen mit blonden Zöpfen. Ihre Arme sind ausgestreckt, nicht aus Spiel, sondern aus Schutz. Sie hält den Elefanten und den Esel wie kostbare Wesen, die es zu bewahren gilt. Dieses Mädchen ist mehr als eine Figur. Sie ist ein Symbol für die Beziehung der Kinder zur Tierwelt – eine intuitive, liebevolle Verbindung, die Erwachsene oft verloren haben. Ihre Haltung ist eine mahnende Liebe, eine stille Erinnerung daran, was wir einst gespürt haben und was wir heute zu verlieren drohen.
Das Kreuz aus Holz, das Mädchen, der Elefant und der Esel sind nicht fest mit dem Bild verbunden. Sie sind mit Schnur und Faden befestigt – lose, beweglich, lösbar. Diese Verbindung ist kein Zwang, sondern eine Möglichkeit. Sie steht dafür, dass wir das Schicksal unserer Kinder in unserer heutigen Hand halten. Wir können die Verbindung lösen – oder stärken. Wir können die Klimagase reduzieren, Farbe ins Bild bringen, die Zukunft ändern.
Doch die zentrale Frage bleibt:
Haben wir überhaupt ein echtes Interesse daran, die Zukunft der nächsten Generationen auf unserer Erde zu bewahren?
Dieses Bild hat mich viele Wochen beschäftigt. Der blasse Hintergrund war traurig – nicht die Art, die mein Herz, meine Gefühle bewegt. Meine Kunstwerke mit kräftigen Farben schenken Vertrauen und Wärme, auch wenn sie eine Mahnung an die Zukunft sind. Doch dieses Bild hing neben mir, still und blass. Mit wässriger Farbe habe ich die Buchstaben des Wortes KLIMA nacheinander auf die Fläche gemalt. Warum wohl? Warum hatte ich diese blassen Gefühle?
Ich hatte immer das Gefühl, das Bild ist noch nicht fertig. Dann – ganz unerwartet – fand ich auf der Straße die kleine blonde Stoffpuppe, den Elefanten und den Esel. Alle drei, so blass wie mein Bild. Blass, alles blass. Und plötzlich war klar: Sie gehören dazu. Sie sind Teil dieser Geschichte. Sie sind die Antwort auf meine Frage – und zugleich eine neue Frage.
Als Anregung befestigte ich die Figuren in einem alten Bilderrahmen. Und sogleich füllten sich meine Gedanken mit diesem Bild. Ich schrieb nochmals die Buchstaben des Wortes KLIMA auf die Fläche und integrierte den Holzrahmen mit den Figuren. Besonders beeindruckend und stark wirkt für mich die Anordnung: Das Mädchen steht zwischen Esel und Elefant – beschützend, verbindend, hoffend.
Vielleicht, weil die Welt gerade blass ist. Vielleicht, weil ich spüre, wie viel auf dem Spiel steht. Vielleicht, weil ich hoffe, dass wir wieder Farbe finden – durch Verantwortung, durch Liebe, durch den Blick eines Kindes.
Meine Motivation – Eine Antwort an meinen Enkel
Ich stelle mir vor, dass mich mein Enkel eines Tages fragt:
„Wusstest du, dass eure Generation für den Klimawandel verantwortlich ist?“
Und ich würde antworten:
Ja, ich wusste es. Und ich habe versucht, etwas zu tun.
Ich würde ihm erzählen, dass ich als Kind eine enge Bindung zur Natur hatte. Die bunten Farben, die Wälder, die Blumen, das Summen der Insekten, das Zwitschern der Vögel und die Berge – das war meine Welt. Eine Welt, die mir Kraft und Liebe schenkte. Meine Eltern haben mir viel Zeit in dieser Welt geschenkt. Wir waren draußen, gemeinsam, verbunden mit dem Leben um uns herum.
Als Jugendlicher habe ich diese Welt weitergegeben. Ich war Kindergruppenleiter im Deutschen Alpenverein, habe jungen Menschen die Schönheit der Natur gezeigt – nicht als Kulisse, sondern als lebendigen Raum, der uns trägt und nährt. Ich wollte, dass sie spüren, was ich gespürt habe: Vertrauen, Staunen, Verantwortung.
Später fand ich einen spannenden Arbeitsplatz in einem Energieunternehmen. Ich durfte am Bau gigantischer Braunkohlekraftwerke mitwirken – eine aufregende Zeit, voller technischer Herausforderungen und gesellschaftlicher Bedeutung. Damals war das für mich ein Beitrag zum Ausstieg aus dem Atomzeitalter in Deutschland. Ich war Teil eines großen Wandels – und glaubte, das Richtige zu tun.
Doch die Welt hat sich verändert. Und die Firma, in der ich arbeite, hat sich ebenfalls verändert. Eine neue Vision entstand:
Ein Leben für kommende Generationen – auch ohne Treibhausgasemissionen.
Diese Vision hat mich tief berührt. Sie hat mich verändert. Sie hat mein Leben verändert.
Ich begann, minimalistischer zu leben. Ich begann, meine persönlichen Visionen zu teilen. Ich begann, mich für die Zukunft unserer Kinder einzusetzen. Ich begann, Klimafunken zu streuen – kleine Impulse, die vielleicht Mitmenschen zum Nachdenken anregen. Denn ich glaube: Jede kleine Anregung kann ein Auslöser sein. Ein Funke, der ein Feuer entfacht – für mehr Bewusstsein, mehr Verantwortung, mehr Hoffnung.
Ich habe begonnen, meine Gefühle, Erlebnisse und Abenteuer in der Natur in Farben darzustellen. So sind viele Klimabilder entstanden. Bilder, die ich mit anderen teile. Bilder, die Fragen stellen. Bilder, die berühren. Bilder, die vielleicht helfen, die Welt ein wenig bewusster zu sehen.
Ich würde meinem Enkel auch sagen, dass unsere Weltgesellschaft eine gemeinsame Vision hatte:
Die Erderwärmung auf 1,5 Grad zu begrenzen.
Aber wir haben es nicht geschafft. Im Jahr 2026 wurden so viele Emissionen ausgestoßen, dass das Artensterben sich extrem beschleunigte. Das Wetter veränderte sich. Extreme Wetterereignisse traten auf, die Ozeanströmungen verschoben sich – und viele Menschen auf der Erde litten.
Ich würde ihm sagen, dass unsere Gesellschaft nicht bereit war, auf den Luxus zu verzichten, den sie sich gönnte. Dass Bequemlichkeit oft stärker war als Verantwortung. Dass wir wussten, was geschieht – und dennoch zu wenig verändert haben.
Und ich würde ihm sagen, dass ich heute versuche, mit meiner Kunst, mit meinen Farben, mit meinen Fragen und mit meinen Bildern einen kleinen Beitrag zu leisten. Für ihn. Für seine Generation. Für die Hoffnung, dass wir doch noch lernen, Farbe in die Zukunft zu bringen.
„Herbstfarben, Klimazeichen, Gipfelerfahrungen“
Rainer
Zeichen des Herbstes
Dieses Werk entstand am ersten Tag meiner mehrtägigen Wanderung durch den Nationalpark Bayerischer Wald. Die Route führte mich klimafreundlich mit dem Deutschlandticket von Bayerisch Eisenstein zum Schutzhaus Falkenstein. Die gelben Buchenwälder und die vom Borkenkäfer geprägte Landschaft wurden zur Quelle meiner Farben.
Besonders inspiriert haben mich drei Szenen: ein umgestürzter, moosbedeckter Baum, der langsam mit dem Waldboden verschmilzt – ein Sinnbild für Kreislauf und Vergehen; die strukturreiche Wurzelpartie eines gefallenen Stammes, die wie ein organisches Relief aus dem Boden ragt; und ein hoher, entrindeter Baum, der sich kahl und verletzlich in den herbstlichen Himmel streckt – umgeben von gelben und grünen Blättern. Diese Bilder zeigen den Wald im Wandel – zwischen Leben und Zerfall, zwischen Kraft und Verletzlichkeit.
Ich wollte herausfinden, welche Farben für mich den Herbst symbolisieren. Als Pinsel diente ein gerolltes Blatt – ein Stück Natur, das selbst zum Werkzeug wurde. So flossen die Farben direkt aus dem Wald in das Bild. Tropfen, Linien und Strukturen entstanden spontan, organisch, lebendig.
Mich beschäftigt, wie sich der Wald durch den Klimawandel verändert. Die Temperaturen steigen, der Niederschlag nimmt ab. Arten verschwinden, neue siedeln sich an. Dieses Werk ist ein Versuch, den Moment festzuhalten, bevor er vergeht – ein Zeichen für den Herbst, für den Wandel, für das Leben.
Das Bild zeigt eine abstrakte Komposition aus Gelb, Grün und dunklen Akzenten – wie ein Echo der Buchenwälder im Oktober. Die gelbe Fläche wirkt wie Sonnenlicht auf Laub, durchzogen von grünen Linien, die an Äste, Moose oder Lebensadern erinnern. Die chaotische Struktur spiegelt die Dynamik des Wandels wider: das Vergehen alter Formen und das Entstehen neuer. Es ist ein visuelles Gedicht über Veränderung, Naturkraft und die stille Schönheit des Übergangs.
Farbenstarkes Entkleiden
Wenn der Herbst die Natur in leuchtende Farben taucht, beginnt ein stilles Schauspiel: Das große Entkleiden vor dem Winter. Was für viele wie ein Abschied wirkt, ist für mich ein Aufblühen – ein letztes Aufleuchten der Artenvielfalt, bevor die Ruhe einkehrt.
Dieses Bild ist inspiriert von der Kraft und dem Chaos der Farben, wie ich sie auf meiner Wanderung durch den Nationalpark Bayerischer Wald erlebt habe. Es ist ein geordnetes Durcheinander, ein Tanz der Formen, ein Echo der Vielfalt, die dort – trotz aller Veränderungen – ihren Raum behauptet.
Gemalt habe ich nicht mit dem Pinsel, sondern mit gerollten Blättern. In Farbe getaucht, wurden sie zu verlängerter Hand, zu fühlenden Fühlern. Während ich malte, durchströmte mich ein wundervolles Gefühl – als ob das Blatt selbst meine Beobachtungen und Empfindungen auf eine energetische Weise auf das Papier übertrug.
Der Nationalpark ist für mich ein Ort der Hoffnung. Ein Raum, in dem die Natur sich selbst überlassen bleibt. Wo Bäume fallen dürfen, ohne gefällt zu werden. Wo Leben vergeht – und neues entsteht. Wo Arten nicht nur überleben, sondern sich entfalten können.
Ich habe auf den Gipfeln von Falkenstein, Rachel und Lusen gestanden, habe die Farben gesehen, die Stille gespürt – und die Abwesenheit von Vögeln bemerkt. Vielleicht ist es ein leiser Hinweis darauf, wie kostbar und verletzlich diese Vielfalt ist.
Dieses Bild ist mein Versuch, das Unsichtbare sichtbar zu machen. Ein farbenstarkes Zeichen für das Leben – und für den Schutz seiner natürlichen Bühne.
Zwischen den Zeiten – Ein Bild der Veränderung
Ich steige ab vom Gipfel, der Wind trägt die Erinnerung an die Höhe, an das Licht, an die Weite. Doch hier unten, wo einst ein dichter Wald stand, breitet sich eine gelbe Wiese aus. Das Gras ist hoch, trocken, vom Herbst gefärbt. Es leuchtet wie ein Teppich aus Sonnenstaub – und doch ist es kein Wald mehr.
Graue Baumpfähle ragen aus dem Boden, stumm und starr. Sie erzählen von einer Zeit, in der der Borkenkäfer kam und blieb. Ehemals stolze Stämme, nun nur noch Schatten ihrer selbst. Und dazwischen: junges Leben. Einzelne Fichten, zartes Grün, das sich behauptet. Ein Zeichen der Hoffnung, ein stiller Neuanfang.
Die Farben passen nicht zusammen. Gelb, Grau, Grün – ein Widerspruch in sich. Kein harmonisches Bild, kein gefälliger Herbstmoment. Und doch ist es genau das, was bleibt: ein Ort der Gegensätze, der Übergänge, der stillen Wunder. Die Natur hat überlebt. Sie hat sich verwandelt, neu erfunden, ohne unser Zutun.
Ich frage mich: Wie verstehen wir die Natur? Und wie versteht sie uns? Wir urteilen schnell – nach Geschmack, nach Farbe, nach Laune. Doch die Natur kennt keine Eile. Sie lebt in Rhythmen, die wir kaum begreifen. Sie heilt sich selbst, wenn wir sie lassen. Sie spricht in Zeichen, die wir oft übersehen.
Dieses Bild ist ein Versuch, zuzuhören. Es ist kein Lobgesang, kein Mahnmal – sondern ein stiller Dialog. Zwischen dem, was war, und dem, was kommt. Zwischen Mensch und Landschaft. Zwischen Farbe und Bedeutung.
„Steine aus Komposit“
Rainer
Diese Arbeiten entstanden während meiner Reise in die Berchtesgadener Alpen – klimafreundlich mit dem Deutschlandticket.
Ich habe Zeichen gesetzt: aus Glasfaser-Komposit, einem Material aus alten Windkraftblättern, das ich in neue Kontexte überführte – in Wälder, auf Bahnhöfe, in alpine Landschaften. Dort treffen technische Formen auf Moos, Kalkstein und Tourismus. Ein kleines Gipfelkreuz aus Komposit wurde zum mobilen Mahnmal für den Klimawandel.
Diese Werke laden ein, zu verweilen, zu spüren – und zu fragen: Was bleibt, wenn wir gehen? Was hinterlassen wir?
Material im Wandel – Glasfaser-Komposit als künstlerisches Objekt
Die hier gezeigten Blöcke bestehen aus Glasfaser-Komposit, einem Werkstoff, der ursprünglich in Rotorblättern von Windkraftanlagen eingesetzt wurde. Das Material zeichnet sich durch hohe Festigkeit, Witterungsbeständigkeit und eine komplexe Faserstruktur aus – Eigenschaften, die es für die Energieindustrie unverzichtbar machten.
In meinem Kunstprojekt wird dieses technische Material neu kontextualisiert: Die Blöcke wurden geschnitten, gestapelt und bewusst in einem öffentlichen Raum platziert – einem Bahnhof, Symbol für Mobilität und Übergang. Die Installation untersucht die ästhetische Wirkung von Industrieabfall und stellt Fragen zur Wiederverwendung, Wahrnehmung und Wertigkeit von Werkstoffen jenseits ihrer ursprünglichen Funktion.
Farben im Wald – ein stilles Spiel aus Licht und Fläche
Ein kleiner Aufbau steht auf dem Waldboden. Rechteckige Formen, gestapelt wie Gedanken, werfen Schatten auf das Laub. Die Farben sind zurückhaltend – ein zartes Grün, das sich mit dem Wald verbindet, mit dem Licht, das durch die Blätter fällt.
Die Fläche des Wanderweges ist uneben, lebendig. Sie nimmt die Formen auf, ohne sie zu verschlucken. Es entsteht ein stiller Dialog: zwischen Geometrie und Zufall, zwischen Ordnung und Wildnis. Die Natur antwortet nicht mit Worten, sondern mit Licht, mit Wind, mit Zeit.
Dieses Bild ist ein Zeichen. Es lädt ein, zu schauen, zu spüren, zu verweilen. Es fragt nicht nach Funktion, sondern nach Gefühl. Und es zeigt, wie Farben und Flächen im Wald zu etwas Neuem werden – zu einem Moment der Verbindung.
Kalkstein und Klimazeichen – ein Dialog zwischen Zeit und Zeichen
Die Berchtesgadener Alpen bestehen überwiegend aus Kalkstein, insbesondere aus Dachsteinkalk und Ramsau-Dolomit. Dieses Gestein entstand vor über 200 Millionen Jahren aus Ablagerungen eines urzeitlichen Meeres. Es prägt die Landschaft des Nationalparks: steile Wände, zerklüftete Plateaus, Karstformen wie Dolinen und Höhlen. Kalkstein verwittert vergleichsweise schnell, beeinflusst den Wasserhaushalt und bietet Lebensraum für spezialisierte alpine Pflanzen.
In meinem Klimazeichen-Projekt setze ich bewusst geometrische Formen in diese natürliche Umgebung. Die Kontraste sind deutlich: Während der Kalkstein Teil eines geologischen und ökologischen Kreislaufs ist, stehen meine Zeichen außerhalb davon. Sie sind technisch, dauerhaft, nicht eingebunden – und gerade deshalb sichtbar.
Diese Gegenüberstellung ist kein Widerspruch, sondern eine Einladung zur Reflexion. Was bedeutet es, wenn etwas nicht passt? Was bleibt, wenn wir Zeichen setzen, die nicht verwittern? Der Kalkstein erzählt von Zeit, Wandel und Anpassung. Meine Klimazeichen fragen nach Verantwortung, Wirkung und Präsenz.
Zwischen Zeichen und Spuren – ein stiller Bezug zum Tourismus
Ich habe dieses Zeichen bewusst in eine alpine Landschaft gesetzt. Es passt nicht – und genau darin liegt seine Aussage. Die geometrische Form steht im Kontrast zur organischen Umgebung. Sie erinnert mich an die Spuren, die auch der Mensch hinterlässt, wenn er in die Natur tritt.
Im Nationalpark Berchtesgaden zeigt sich dieser Kontrast besonders deutlich. Der Tourismus bringt Menschen in die Berge, schafft Zugänge, Begegnungen, Bewusstsein. Gleichzeitig entstehen Belastungen: verdichtete Wege, gestörte Lebensräume, sichtbare Eingriffe.
Mein Klimazeichen ist kein Urteil, sondern eine Einladung zur Reflexion. Es steht für das, was bleibt, wenn wir gehen. Für das, was sichtbar wird, wenn wir nicht mehr nur schauen, sondern auch fragen: Was passt hier wirklich? Und was hinterlassen wir?
Ein Gipfelkreuz aus Glas-Komposit – ein Zeichen für die Zukunft
Während meines Aufstiegs zum Hohen Göll habe ich aus Stücken von Glasfaser-Kompositstäben alter Windkraftblätter ein kleines Gipfelkreuz zusammengesetzt. Es war ein stiller Moment, mitten im Fels, mitten im Wandel. Dieses Material, das einst Teil einer Windkraftanlage war, trägt nun eine neue Botschaft – als mobiles Klimazeichen.
Ich stelle mir vor: Was wäre, wenn auf einem Gipfel ein großes Kreuz aus diesem Material errichtet würde?
Nicht als religiöses Symbol, sondern als Mahnmal für den Klimawandel, den wir Menschen durch den Ausstoß von Treibhausgasen verursachen.
Ein Zeichen der Erinnerung – und der Verantwortung.
Ein solches Gipfelkreuz könnte uns daran erinnern, dass wir uns verändern müssen, um den kommenden Generationen diese Landschaft zu erhalten.
Dass die Schönheit der Berge nicht selbstverständlich ist.
Dass extreme Wetterereignisse, Wassermangel und Muren nicht nur Prognosen sind – sondern Realität.
Vielleicht braucht es neue Zeichen in der Landschaft. Zeichen, die uns berühren.
Zeichen, die uns zum Umdenken bewegen.
„Komposit-Gletscher – Ein Drama aus Farbe, Erinnerung und Zukunft“
Rainer
Es trägt den Titel „Komposit-Gletscher – Ein Drama aus Farbe, Erinnerung und Zukunft“. Noch ist es nicht vollendet – die Marionetten-Figur muss noch befestigt werden, die Idee ist noch im Werden. Doch der Kern steht: Es beginnt mit einem Tropfen.
Ein Tropfen Farbe, ein Tropfen Erinnerung, ein Tropfen Zeit.
Sie fließen, vermischen sich, sickern in die Leinwand wie das Schmelzwasser eines sterbenden Gletschers. Was bleibt, ist ein Bild – und eine Frage: Wird das, was war, noch einmal sein?
Meine Motivation für dieses Werk liegt in einer persönlichen Erfahrung: Der zentrale Berg in meinem Bild ist das Zuckerhütl – ein stolzer Gipfel im Stubaital, den ich als Kind bestiegen habe. Damals war der Weg ein weißer Pfad aus Schnee und Eis. sondern ein riskanter Ort für wenige Mutige.
Der Gletscher war mächtig, lebendig, ein Teil der alpinen Seele. Heute ist der Berg nackt, steinig, brüchig. Der Aufstieg ist gefährlich. Wer vorausgeht, löst Steine, die Seilschaften unterhalb treffen können. Der Gipfel ist nicht mehr das Ziel einer leichten Wanderung, Der Klimawandel hat dem Gletscher zugesetzt. Die Eisflächen sind abgemagert, die Spalten schmal und spärlich. Ich war allein unterwegs, ohne Seilschaft. Kein Gefühl von Größe und Stärke – sondern von Traurigkeit. Der Gletscher wirkt wie ein alter, kranker Mann. Das Ende liegt bevor.
In meinem Bild habe ich diesen Zustand eingefangen – mit gelber und blauer Farbe, vermischt mit Sägemehl aus Glas-Komposit. Das Material stammt aus alten Windkraftblättern, ein Symbol für Fortschritt und zugleich für die Fragilität unserer Umwelt. Die wässrige Mischung hat eine Struktur erzeugt, die an das Fließen, das Schmelzen, das Vergehen erinnert. Der Gletscher entsteht neu – aus Reststoffen, aus Erinnerung, aus künstlerischer Intuition.
Und dann ist da die Marionetten-Figur. Ein Kinderspielzeug, das ich auf der Straße fand. Ein kleiner Junge mit roter Nase und bunter Kleidung. Er wirkt lächerlich, kindlich, lustig. Doch ich stelle mir vor, wie er einst ein liebevoller Begleiter eines Kindes war. Sie haben gespielt, gelacht, miteinander gesprochen. Nun steht er im Bild – als Symbol für das Kind, das einst mit ihm spielte.
Und ich frage mich:
Wird dieses Kind den Gletscher am Zuckerhütl noch erleben können?
Wird es die alpine Welt so sehen, wie ich sie einst sah?
Oder bleibt ihm nur das Echo einer verlorenen Landschaft?
„Komposit-Gletscher“ ist ein Drama in Farbe. Es erzählt von einem Berg, der sich verändert hat. Von einem Gletscher, der stirbt. Von einem Kind, das vielleicht nie mehr dort spielen wird. Es ist ein Bild zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen Material und Gefühl, zwischen Spielzeug und Gletscher.
Es endet mit einem Tropfen.
Ein Tropfen Hoffnung, ein Tropfen Kunst, ein Tropfen Bewusstsein.
Vielleicht reicht ein Tropfen, um etwas zu verändern.
Zeichen im Wandel – Drei Gipfel, drei Mahnmale
Meine drei Werke aus der Solstein-Reihe verbinden persönliche Gipfelerlebnisse mit künstlerischen Reflexionen über Klimawandel, Artensterben und globale Verantwortung. Das erste Bild zeigt das Kreuz als Symbol für die bedrohte alpine Natur, das zweite thematisiert das Verschwinden der Insekten auf still gewordenen Bergwiesen, und das dritte verarbeitet ein Gewitter als Folge klimatischer Veränderungen – verstärkt durch Kohlestaub als Mahnmal fossiler Energien. Die Werke stehen für Schnittpunkte zwischen Schönheit und Bedrohung, zwischen Erinnerung und Verantwortung. Sie erzählen von einer Welt im Wandel, in der selbst die Berge ihre Stabilität verlieren.
Kunst wird hier zum Impuls für Bewusstsein und zum visuellen Appell für Klimaschutz als Menschenrecht.
Für meine Reise zum Großen Solstein im Karwendel bin ich bewusst klimafreundlich unterwegs gewesen – mit dem Flixbus durch die Nacht und weiter mit der Bahn. Ich besitze kein Auto mehr und bewege mich zu Fuß, mit dem Rad und mit öffentlichen Verkehrsmitteln. Die nächtliche Fahrt mit dem Fernbus erlaubt mir, morgens direkt am Zielbahnhof anzukommen und ohne zusätzliche Übernachtung meine Wanderung zu beginnen – in diesem Fall zum Solstein-Gipfel, der zum Ausgangspunkt meiner künstlerischen Trilogie wurde.
Mahnmal der Farben, 2025
Meine Motivation. Ich bin oft in den Bergen unterwegs – als Wanderer, als Bergsteiger, als Mensch, der die Stille und Kraft der alpinen Landschaft sucht. Doch in den letzten Jahren hat sich mein Blick verändert. Ich sehe nicht mehr nur die Schönheit, sondern auch die Verletzlichkeit dieser Welt. Ich sehe, wie sich die Farben der Natur verändern – nicht nur durch Licht und Jahreszeiten, sondern durch den Klimawandel. Was mich zu diesem Bild motiviert hat, ist eine Mischung aus Staunen und Sorge. Ich habe erlebt, wie sich der Boden unter meinen Füßen verändert – wie sich Hänge lockern, wie Muren zu Tal rauschen, wie Wege verschwinden. Ich habe gesehen, wie Gletscher, die einst mächtig und ewig schienen, Jahr für Jahr kleiner werden. In den deutschen Alpen sind sie fast verschwunden. Und mit ihnen verschwindet nicht nur Eis, sondern auch ein Stück Identität, ein Stück Zukunft. Ich wollte ein Bild schaffen, das all das in sich trägt: die Farben der Hoffnung, das Braun der Erde, das Kreuz als Zeichen für Verantwortung. Ich wollte zeigen, dass wir an einem Wendepunkt stehen – einem Kreuzpunkt, an dem wir entscheiden müssen, wie wir mit dieser Welt umgehen. Die extremen Wetterereignisse, die Evakuierungen in den Dolomiten, die Gletscherabbrüche in der Schweiz – all das hat mich tief bewegt. Es hat mich motiviert, dieses Bild zu malen. Es ist mein Versuch, einen „Klima-Funken“ zu setzen. Einen Impuls, der vielleicht jemanden erreicht. Der vielleicht zum Innehalten führt. Zum Nachdenken. Und vielleicht auch zum Handeln.
Kreuzweg der kleinen Leben, 2025
Meine Motivation. Der Impuls zu diesem Werk kam nicht plötzlich. Er wuchs in mir – mit jedem Schritt auf dem Weg zum Großen Solstein, mit jeder Erinnerung, die sich in die Gegenwart drängte. Der Aufstieg war körperlich fordernd, aber innerlich war es ein Weg zurück: zurück zu den Bergwiesen meiner Kindheit, zu den Schwebefliegen, den Schmetterlingen, dem leisen, lebendigen Summen, das einst die Luft erfüllte. Damals war die Wiese ein Tierpark in Miniatur – ein Ort voller kleiner Leben, die heute kaum noch zu sehen sind.
Als ich den Gipfel erreichte und vor dem Kreuz stand, war es nicht nur ein Zeichen des Ankommens. Es war ein Symbol für das, was fehlt. Die Stille war nicht nur die des Windes – sie war die Stille des Verschwindens. Ich fragte mich: Wo sind sie geblieben, die kleinen Leben? Und was hat sie vertrieben?
Diese Fragen ließen mich nicht los. Ich musste sie sichtbar machen. Das Malen wurde zu einer Form des Erinnerns – und des Anklagens. Ich wählte Kohlestaub als Material, nicht zufällig. Kohle ist das Symbol der fossilen Energie, des Klimawandels, der Zerstörung. Staub ist das, was bleibt, wenn Leben vergeht. Die Linien aus Kohlestaub in meinem Werk sind keine bloßen Formen – sie sind Spuren des Todes, Zeichen des Verfalls, Splitter einer globalen Verantwortung.
Ich male, weil ich nicht schweigen will.
Ich male, weil ich glaube, dass Kunst Funken säen kann – kleine Impulse, die Bewusstsein schaffen, die berühren, die vielleicht etwas verändern.
Ich nenne meine Vision: „Sowing sparks for Climate Protection“.
„Kreuzweg der kleinen Leben“ ist ein solcher Funke. Es ist ein Bild, das aus Erinnerung, Schmerz und Hoffnung entstanden ist. Es ist mein Versuch, dem Verschwinden eine Form zu geben – und dem Schweigen eine Stimme.
Kreuzpunkt Klima , 2025
Meine Motivation. Der Internationale Gerichtshof und sein Gutachten. Wir haben das Recht auf eine saubere, gesunde und nachhaltige Umwelt. Ein fundamentales Menschenrecht? Nun müssten Staaten Maßnahmen ergreifen und aktuelle Entscheidungen überdenken.
Ich stand auf einem Gipfel im Karwendel. Die Wettervorhersage war stabil, fast ideal – doch oben angekommen, überraschten mich Regen und Gewitter. Dieses Erlebnis war intensiv und lehrreich: Es zeigte mir, wie sehr wir uns auf scheinbare Sicherheit verlassen – und wie wenig wir die Natur wirklich kontrollieren.
Mein Kunstwerk verarbeitet diesen Moment. Das weiße Gipfelkreuz, traditionell ein Symbol für Orientierung und Erhabenheit, habe ich mit einem zweiten, schwarzen Kreuz überarbeitet – gefertigt aus Kohlstaub. Dieses Material steht für mich sinnbildlich für die Ursachen der Klimakrise: die Verbrennung fossiler Energien, die unsere Atmosphäre verändert und das Gleichgewicht der Natur stört.
Was mich besonders beschäftigt: Dieses Wetter war kein Zufall. Das Mittelmeer ist in diesem Sommer ungewöhnlich warm – vielerorts 3 bis 5 Grad über dem Durchschnitt. Durch den Klimawandel verdunstet dort mehr Wasser, die Atmosphäre wird feuchter. Diese feuchte Luft kann über Norditalien bis in die Alpen strömen – und dort, wie an jenem Tag, zu plötzlichen Gewittern führen.
Der Klimawandel ist längst nicht mehr abstrakt. Er verändert das Wetter, die Berge, unsere Erfahrungen. Und er ist nicht nur ein ökologisches, sondern auch ein rechtliches Thema: Der Internationale Gerichtshof hat im Juli 2025 klargestellt, dass alle Staaten völkerrechtlich verpflichtet sind, aktiv gegen die Klimakrise vorzugehen. Klimaschutz ist damit nicht nur moralisch geboten, sondern ein Menschenrecht – und Versäumnisse gefährden die Freiheit zukünftiger Generationen.
„Kreuzpunkt Klima“ ist mein Versuch, diese Realität sichtbar zu machen. Es verbindet persönliche Erfahrung mit globaler Verantwortung – und stellt die Frage, wie wir als Gesellschaft mit dieser Unsicherheit und Verpflichtung umgehen wollen.
Ich zeige in meinen Werken den Widerspruch zwischen Fürsorge und Verantwortung – zwischen liebevollen Gesten und ihren oft übersehenen Folgen. Mit Materialien wie Einwegwindeln, Kindersymbolen und Rasterstrukturen mache ich sichtbar, wie bequem Zerstörung sein kann. Meine Kunst ist ein Spiegel, der zum Umdenken einlädt – sie laden zum Innehalten ein und fragen: Wie bequem darf Zerstörung sein?
Schachmatt fürs Morgen, 2025
Meine Motivation. Ich habe dieses Werk geschaffen, weil ich wütend bin. Wütend auf eine Gesellschaft, die sich in ihrer Bequemlichkeit eingerichtet hat wie in einem warmen Nest – weich gepolstert mit Einwegprodukten, die wir nach Gebrauch einfach verschwinden lassen. Aus den Augen, aus dem Sinn. Doch was wir nicht sehen, bleibt nicht folgenlos.
Die Spiralform meines Werks steht für den Strudel, in den wir uns selbst hineinziehen – ein Sog aus Ignoranz, Konsum und Wegwerfmentalität. Die Materialien sind bewusst gewählt und sprechen eine deutliche Sprache:
Die pinke Kinderfliege steht für die Inszenierung von Unschuld und Ordnung. Sie soll das Kind „herausputzen“, während wir gleichzeitig die Zukunft dieses Kindes mit Müll überziehen. Sie ist ein Symbol für die Doppelmoral unserer Gesellschaft – wir dekorieren, was wir zerstören.
Die blaue Sonnenbrille verdeckt den Blick. Sie schützt vor der grellen Realität, die wir nicht sehen wollen. In ihrer kühlen Farbe wirkt sie wie ein Filter der Gleichgültigkeit – ein Accessoire der Verdrängung. Wir schauen nicht hin, wir schauen weg.
Der rosa Schnuller beruhigt. Er stillt nicht den Hunger, sondern das Unbehagen. Er steht für eine Kultur, die sich selbst sediert, statt Verantwortung zu übernehmen. Rosa – die Farbe der Sanftheit – wird zur Maske einer infantilen Gesellschaft, die lieber lutscht als handelt.
Und mittendrin: die Windel. Ein Objekt der Fürsorge, das zur Ikone der Verantwortungslosigkeit geworden ist. Eine einzige Einwegwindel benötigt bis zu 500 Jahre, um sich in der Umwelt zu zersetzen. Allein in Europa werden monatlich rund 2,75 Milliarden Windeln verwendet und weggeworfen – das entspricht jährlich etwa 6,7 Millionen Tonnen Müll. Diese Zahlen sind keine Randnotiz, sie sind ein ökologischer Notruf.
Der Titel „500 Jahre Fürsorge“ verweist auf diese absurde Diskrepanz: Ein kurzer Moment der Pflege – ein Jahrhundert der Belastung. Was als liebevolle Handlung beginnt, endet in einer zerstörerischen Langzeitwirkung. Der Titel lädt dazu ein, Fürsorge neu zu denken – nicht als kurzfristige Handlung, sondern als langfristige Verantwortung gegenüber den kommenden Generationen.
Dieses Werk ist kein Vorwurf an Einzelne, sondern ein Spiegel. Ich halte ihn uns allen vor. Denn solange wir glauben, dass wir mit einem Griff in den Megapack und einem Tritt auf den Mülleimer unsere Verantwortung entsorgen können, wird sich nichts ändern.
Ich lade Sie ein, hinzusehen. Nicht wegzusehen. Und sich zu fragen:
Wie bequem darf Zerstörung sein?
500 Jahre Fürsorge, 2025
Meine Motivation. Es ist ein Werk über Fürsorge, Verantwortung und strategische Fehlentscheidungen.
In „Schachmatt fürs Morgen“ thematisiere ich den tiefen Widerspruch zwischen elterlicher Fürsorge und ökologischer Verantwortung. Das Werk besteht aus 64 gepressten Einwegwindeln, angeordnet in einem 8×8 Raster, das bewusst an ein Schachbrett erinnert. Die Wahl des Materials ist kein Zufall: Einwegwindeln stehen für Hygiene, Schutz und Liebe – und gleichzeitig für eine massive Umweltbelastung, die oft unsichtbar bleibt.
Wir tun alles, um unsere Kinder in den ersten Lebensjahren zu umsorgen, ihnen Geborgenheit zu geben, sie trocken zu halten. Doch genau in diesem Akt der Fürsorge beginnt oft die Zerstörung ihrer Zukunft. Die Windel wird zum Symbol einer Zärtlichkeit mit Nebenwirkungen – einer Entscheidung, die kurzfristig sinnvoll erscheint, aber langfristig fatale Folgen hat.
Das Raster verweist auf das Schachspiel – ein Spiel der Strategie, der Taktik, der Weitsicht. Doch in unserem Spiel des Lebens glauben wir, einen guten Zug gemacht zu haben, wenn wir für das unmittelbare Wohl unserer Kinder sorgen. Was wir dabei übersehen: Wenn dieser Zug die Natur zerstört, ist er nicht nachhaltig. Wir handeln ohne Weitblick – und setzen damit unsere Kinder Schachmatt, bevor sie selbst ins Spiel treten können.
Die einzelnen Elemente des Werks sind verformt, fleckig, verletzt – wie die Erde unter dem Druck unseres Konsums. Die braunen Quadrate markieren Kipppunkte, Orte, an denen das Gleichgewicht verloren geht. Das Werk wird so zur haptischen Klimachronik, zur visuellen Mahnung, zur Einladung zum Umdenken.
„Schachmatt fürs Morgen“ fragt:
Wie können wir wirklich für unsere Kinder sorgen, wenn wir gleichzeitig die Welt zerstören, in der sie leben sollen?
Wenn wir die wundervolle, bunte Natur für kommende Generationen bewahren wollen, müssen wir unsere Spielzüge überdenken – nicht nur im Großen, sondern bereits bei den kleinsten Entscheidungen im Alltag.
Stille Symbiose, 2025
Ich hoffe, die Botschaft ist nicht zu kritisch. Ich habe dieses Werk geschaffen, um sichtbar zu machen, was unsichtbar bleibt: die Lebensadern des Wassers. Der Hintergrund besteht aus farbigen Ringen – sie symbolisieren Stoffstromkreisläufe und Luftblasen, jene flüchtigen, oft übersehenen Elemente, die unser Leben durchdringen. Ich habe sie mit viel Wasser gestaltet, und dabei sind farbige Rinnsale entstanden – Spuren eines lebendigen Prozesses.
Durch das wiederholte Drehen des Bildes um 90 Grad formten diese Rinnsale ein Gittermuster. Es erinnert mich an die Ordnung, die wir der Natur aufzwingen, aber auch an die feinen Netze, die alles Leben durchziehen. Für mich sind diese Rinnsale mehr als bloße Farbverläufe – sie sind Lebensadern. So wie Adern unseren Körper durchziehen und ihn mit Leben versorgen, stelle ich mir vor, dass auch das Wasser von unsichtbaren Adern durchströmt ist. Adern, die es klar, sauber und lebendig halten.
Ich gehe noch einen Schritt weiter: Ich stelle mir vor, dass das Meer selbst ein lebender Organismus ist. Ein komplexes System, das wie wir Menschen nur dann gesund und lebendig bleibt, wenn seine „Körpertemperatur“ im Gleichgewicht ist. Doch wir Menschen haben diesen Organismus zugemüllt – mit Abwässern, Giftstoffen, Plastik, Ölen. Wir haben die Atmosphäre verändert, und nun kann mehr Energie in diesen sensiblen Organismus eindringen. Die Temperatur steigt. Der lebende Ozean leidet unter Fieber.
Vielleicht ist es nur eine Grippe, die sich wieder legt. Vielleicht aber haben wir eine schwere Entzündung ausgelöst – eine, die zum Tod führen kann.
In meinem Werk taucht eine kleine Wasserschildkröte auf. Sie steht stellvertretend für all jene Lebewesen, die in Symbiose mit dem Ozean leben. Geht es dem Ozean schlecht, leidet auch die Schildkröte. Stirbt der Ozean, sterben auch sie – all die Wesen, die mit dem Wasser verbunden sind, die darin leben, atmen, existieren. Die Schildkröte ist Mahnmal und Hoffnung zugleich. Sie erinnert uns daran, dass wir nicht allein sind in diesem System – und dass unser Handeln Konsequenzen hat.
Und dann stelle ich mir die Frage: Was wird aus uns Menschen? Leben wir mit dem Organismus Ozean in Symbiose – oder haben wir uns längst von ihm entfremdet? Sind wir Teil dieses Systems oder seine Krankheit? Wenn wir den Ozean zerstören, zerstören wir nicht nur die Schildkröte, die Fische, die Korallen – wir zerstören auch uns selbst. Denn auch wir sind Wasserwesen. Auch wir sind durch unsichtbare Lebensadern mit dem Meer verbunden.
Mein Werk ist eine Einladung, das Wasser nicht nur als Ressource zu sehen, sondern als Teil eines lebendigen Organismus, der mit uns verbunden ist. Wenn wir diese Lebensadern zerstören, verlieren wir mehr als nur sauberes Wasser. Wir verlieren einen Teil unserer eigenen Lebendigkeit.
Mit diesem Werk möchte ich einen Funken setzen. Einen Impuls zum Nachdenken über Kreisläufe, Verantwortung und die fragile Verbindung zwischen Mensch und Meer.
Die Illusion des Recyclings, 2025
Die kleine Schildkröte im rechten unteren Bildbereich war für mich der entscheidende Impuls, dieses Werk zu vollenden. Sie steht als Mahnmal für die Tierwelt in den Meeren – und verweist auf eine ökologische Realität, die mich tief bewegt hat. Meeresschildkröten sind massiv vom Plastikmüll und Mikroplastik in den Ozeanen betroffen. Sie verwechseln Plastiktüten mit Quallen, ihrer natürlichen Nahrung, was zu inneren Verletzungen, Verstopfungen und oft zum Tod führt. Bereits 14 verschluckte Plastikteile können eine 50%ige Sterbewahrscheinlichkeit bedeuten – ab 200 Teilen ist der Tod unausweichlich.
Besonders betroffen sind junge Schildkröten, die sich in Küstennähe aufhalten, wo sich der Müll konzentriert. In verendeten Jungtieren wurden bereits Hunderte Plastikteile gefunden. Mikroplastik lagert sich zudem in Organen ab, verursacht Entzündungen, Blutungen und kann hormonelle Störungen auslösen. Auch Geisternetze – herrenlose Fischernetze – werden zur tödlichen Falle. Diese wissenschaftlichen Erkenntnisse haben mich dazu bewegt, meine künstlerische Sprache zu nutzen, um ein Zeichen zu setzen.
Ich habe dieses Werk geschaffen, um auf den gestörten Wertstoffkreislauf von Plastik aufmerksam zu machen. Die spiralförmige Struktur im Bild steht für den nicht geschlossenen Kreislauf des Plastikrecyclings – ein System, das vorgibt, nachhaltig zu sein, aber in Wahrheit große Mengen an Plastik in die Umwelt entlässt. Das gelbe Gitter symbolisiert für mich die gesellschaftliche Ignoranz gegenüber den ökologischen Folgen unseres Konsumverhaltens. Es steht für die trügerische Ordnung, die wir dem Chaos der Umweltzerstörung überstülpen.
Dieses Werk ist mein künstlerischer Beitrag gegen Umweltzerstörung und ein Appell, die Spirale der Ignoranz zu durchbrechen. Ich hoffe, dass dieses Bild nicht nur betrachtet, sondern verstanden wird – als visuelles Manifest für den Schutz unserer Meere und ihrer Bewohner.
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